Cinéma : les sept films 2020 de la région MENA à voir absolument
Cette année, le cinéma du Moyen-Orient a subi de plein fouet l’arrêt brutal de l’industrie cinématographique mondiale à cause de la pandémie de COVID-19. L’onde de choc se fait encore sentir et nul ne sait quand cela s’arrêtera.
L’année avait bien commencé : au Festival international du film de Berlin en février, le réalisateur iranien Mohammad Rasoulof a remporté l’Ours d’Or pour There Is No Evil.
Mais peu de temps après, la plupart des événements cinématographiques, y compris les festivals, ont été annulés et les cinémas ont fermé, ce qui a suspendu la sortie de certains des meilleurs films de la région.
Une poignée de films arabes – dont Souad de l’Égyptienne Ayten Amin et Broken Keys du Libanais Jimmy Keyrouz – ont reçu le label Cannes 2020 et ont figuré dans la sélection en ligne. Mais la majorité de ces films sont pris dans le marasme et attendent toujours une première traditionnelle.
Conçus bien avant la pandémie, les films sont restés pour la plupart sur des terrains familiers, quoique toujours importants, notamment la crise des réfugiés syriens, l’occupation israélienne et la pauvreté
En septembre, les choses semblaient commencer à s’améliorer pour les productions de la région MENA. À la Mostra de Venise, l’absence d’Hollywood, conjuguée à la réticence de nombreux studios et distributeurs européens à sortir leurs films, a bien servi le cinéma moyen-oriental : neuf longs métrages de la région ont été présentés dans diverses sections du Lido, un record.
Mais la qualité des films en allait autrement : conçus bien avant la pandémie, ils sont restés pour la plupart sur des terrains familiers, quoique toujours importants, notamment la crise des réfugiés syriens, l’occupation israélienne de la Palestine et la pauvreté.
À leur actif, les films les plus en vue ont tenté de réinterpréter leurs sujets, principalement à travers des variations de genre, dont la satire dans L’Homme qui a vendu sa peau de la Tunisienne Kaouther Ben Hania ; un thriller qui se déroule en Palestine, 200 Meters, pour Ameen Nayfeh ; et le réalisme magique dans Sun Children de l’Iranien Majid Majidi.
Les résultats finaux laissent cependant beaucoup à désirer, révélant une vision timide, un manque de talent artistique et une impasse dans le traitement.
En 2020, le public international s’est tourné vers le cinéma pour ressentir, penser et échapper à une réalité pour le moins figée. Mais les quelques sorties au Moyen-Orient proposaient encore et toujours la même chose : les mêmes récits, les mêmes thèmes, la même esthétique.
Les réalisateurs n’ont pas osé expérimenter ni repenser les sujets de base, se contentant de modifier légèrement les formules à succès sans s’éloigner des schémas habituels.
Certains réalisateurs ont toutefois produit des visions cinématographiques qui se distinguent.
Il s’agit notamment de la comédie romantique palestinienne pince-sans-rire Gaza Mon Amour de Tarzan Nasser, qui explore l’amour à la quarantaine et la bureaucratie absurde à travers le minimalisme et une palette de couleurs délavée ; le documentaire sur les réfugiés Purple Sea du Syrien Khaled Abdulwahed, qui s’appuie sur une cinématographie immersive pour recréer l’expérience viscérale d’une fuite par la mer à la première personne ; et Cigare au miel, du réalisateur algérien Kamir Ainouz, qui se sert des clichés du passage à l’âge adulte pour explorer la sexualité féminine naissante, les tensions identitaires et l’élitisme français.
Mais chacun de ces films n’a finalement pas réussi à repousser les limites de leur cadre et à étoffer leurs prémisses prometteuses.
Comme les festivals du monde entier ont eu du mal à combler le vide, les films sélectionnés ont reçu une trop grande couverture de la part de la critique qui manquait de matière sur laquelle écrire, ne cherchant pas à mettre la barre trop haut.
Netflix, Amazon et Mubi
Au passage, la perception erronée de la progressivité de l’agenda politique de nombreux films a engendré une célébration de la médiocrité. La devise « Soutenir le cinéma du Moyen-Orient » sonne maintenant creux et est révélatrice du fait que la condition préalable à l’évaluation des films de la région MENA est appréhender ce cinéma de manière amicale.
En 2020, l’industrie cinématographique et la critique, dont le présent journaliste, ont supposé à tort qu’à la suite du succès des festivals de septembre comme la Mostra de Venise et celui de San Sebastián, le cinéma et la réalisation reviendraient progressivement.
Nous avions tort : septembre ne fut qu’un bref répit dans le cauchemar pandémique perpétuel. Les infections au COVID-19 ne montrant aucun signe de ralentissement, les festivals du monde entier ont continué à organiser leurs événements en ligne, limitant ainsi le profil et l’ampleur de leurs programmations.
Les plateformes de streaming telles que Netflix, Amazon et Mubi ont lancé une indispensable bouée de sauvetage et continueront à contrôler le cours du cinéma dans un proche avenir. Au-delà, personne n’a la moindre idée du monde dans lequel l’industrie cinématographique finira par se réveiller quand les choses reviendront à la normale.
L’annonce récente que le Festival du film de Berlin en février prochain se déroulera en ligne signifie qu’encore plus de films du Moyen-Orient ne pourront toujours pas commencer leur vie après un long moment. Cela intensifiera également la rivalité en matière d’exposition et de distribution au cours des dix-huit mois suivants.
Le déploiement international des indispensables programmes de vaccination prendra du temps. Le cinéma ne reviendra pas en force en 2021 comme nous l’avions prévu à tort. Les coupes budgétaires en Europe et au Moyen-Orient nuiront aux productions.
Les nouvelles réalités qui se sont présentées à nous cette année obligeront les réalisateurs à s’engager dans une nouvelle direction et ils ne sont probablement pas prêts à cela. Les règles du jeu seront réécrites. Le nouveau slogan ne sera pas « Soutenir le cinéma du Moyen-Orient » mais « Se réinventer ou disparaître ».
Ci-dessous, j’ai énuméré dans l’ordre décroissant les sept meilleurs films en provenance du Maghreb et du Moyen-Orient en 2020, selon moi. Aussi imparfaits soient-ils, ils se sont néanmoins distingués par leur engagement lucide vis-à-vis de leur monde d’une manière qui transcende l’ère COVID, et qui gardera la fraîcheur de leur urgence et de leur puissance bien après la disparition des miasmes de la pandémie.
La majorité de ces titres ont été projetés à des publics restreints sur internet : la véritable lutte que mènent actuellement les films indépendants du Maghreb et du Moyen-Orient n’est pas seulement de trouver des financements au milieu de la crise économique, mais d’atteindre un public dans un marché de plus en plus fragmenté.
7. Leur Algérie
D’un côté, ce premier documentaire de la réalisatrice franco-palestino-algérienne Lina Soualem est un journal intime de la désintégration du mariage de ses grands-parents paternels algériens qui décident de divorcer 62 ans après leur mariage en Algérie, avant de s’installer en France à la fin des années 1950.
Mais à un niveau différent, plus profond, Leur Algérie est aussi une étude astucieuse du déplacement et du bouleversement culturel de millions de migrants algériens qui se sont retrouvés coincés entre deux mondes, dans lesquels ils ne parviennent pas à s’intégrer pleinement.
L’utilisation excessive des gros plans invasifs et l’absence de ruptures visuelles suffisantes – dérapages prévisibles pour un premier film – embourbent le flux en parties, mais cela reste une image douce et touchante d’émotions tacites, de regrets persistants et de rêves inassouvis. Surtout, Leur Algérie parle de la faiblesse du temps et des blessures qui couvent sans jamais guérir.
6. Radiograph of a Family
Autre documentaire mêlant personnel et public, Radiograph of a Family de l’Iranien Firouzeh Khosrovani est le lauréat du Prix du meilleur long métrage documentaire au Festival international du film documentaire d’Amsterdam (IDFA) cette année.
Chronique du mariage instable de ses parents sur fond de révolution iranienne de 1979, ces mémoires familiales très créatives et vibrantes d’une réalisatrice utilisent des images d’archives et des films, lettres et photos de famille, une narration à la première personne et un dialogue hors écran pour disséquer le changement de dynamique du pouvoir entre son père libéral occidentalisé et sa mère pieuse et stricte sur le plan religieux, pendant les premières années de leur mariage en Suisse et le retour subséquent en Iran avant la révolution.
Sobre et largement détaché, Khosrovani repousse les limites du récit documentaire, créant une œuvre plus proche du docufiction dont l’objectif principal est de comprendre et d’analyser, sinon exactement de documenter.
Des décennies de l’histoire tumultueuse de l’Iran se reflètent dans le mariage des parents – un mariage qui survit finalement malgré leurs vives différences. Inventif et sincère, Radiograph of a Family est à la fois une superbe réalisation et un essai poétique sur l’endurance de l’amour, l’évolution des modes d’autorité, et la fragilité de la mémoire.
5. I Am Afraid to Forget Your Face
J’ai commencé à compiler cette liste en 2017, mais jusqu’à présent, je n’avais pas encore inclus de court métrage. Cela a changé cette année avec I Am Afraid to Forget Your Face, le gros succès critique de Sameh Alaa, qui est devenu le premier court métrage égyptien à remporter la Palme d’or du meilleur film à Cannes en octobre.
Sous tout le battage médiatique mérité se cache une histoire politique sensible et astucieuse d’un adolescent de 16 ans issu de la classe ouvrière (Seif Hemeda) qui se lance dans une quête dangereuse pour dire un dernier au revoir à son ex-petite amie décédée.
En 15 minutes et 21 plans, Alaa réussit, dans un style inégalé, à évoquer la douleur, l’enfermement et la confusion qu’il y a à grandir en Égypte après 2013.
Les vues méticuleusement composées et la conception sonore détaillée offrent brillamment un aperçu du bruit sonore et visuel déshumanisant du paysage de béton oppressant et discordant du Caire, qui contraste avec les intérieurs étroits tout aussi oppressants, tandis que le récit clairsemé offre un aperçu des extrémités herculéennes auxquelles la jeunesse épuisée doit se résoudre pour voler quelques instants d’intimité, même dans la mort.
Malgré sa courte durée, I Am Afraid to Forget Your Face fournit un rare portail vers l’état d’esprit d’une génération, celle élevée dans les cendres de la révolution ratée.
4. An Unusual Summer
La nouvelle proposition du réalisateur expérimental et plasticien palestinien vivant à Berlin Kamal Aljafari (Port of Memory ; Recollection) constitue son œuvre la plus audacieuse et la plus insaisissable à ce jour.
Au cours de l’été 2006, le défunt père du réalisateur a installé une caméra de surveillance donnant sur la place de stationnement de la famille pour tenter d’attraper celui qui a brisé à plusieurs reprises les vitres de sa voiture.
Dix ans après la mort de son père, Aljafari a trouvé les bandes vidéo basse définition abandonnées. Il a ensuite monté des dizaines d’heures au cours de laquelle rien ne semble se passer pour en faire un film de 80 minutes regorgeant de gestes répétés et de routines quotidiennes. Au passage, il offre un aperçu d’un lieu et d’une vie qui n’existent plus.
S’inspirant du grand réalisateur canadien d’avant-garde Michael Snow (Wavelength) et de la grande cinéaste franco-belge Chantal Akerman (Là-bas), Aljafari joue constamment avec les images au travers de différentes techniques, y compris l’insertion de superpositions, le rembobinage et l’avance rapide, et le zoom avant. Tout au long du film, les images sont ponctuées d’intertitres ironiques et hilarants qui fleurissent dans un récit complet dans l’épilogue poignant et obsédant.
Ludique dans sa construction mais rigoureux dans son formalisme, An Unusual Summer est une méditation philosophique sur le don du cinéma comme véhicule qui préserve le temps ; sur la puissance de l’observation ; sur la myriade de façons dont nous interprétons le monde ; et sur la grâce tranquille du quotidien.
Comme presque toute l’œuvre d’Aljafari, An Unusual Summer est un nouvel exemple de résistance cinématographique : de la mémoire que l’occupant s’est aventuré à éliminer de façon récurrente.
3. Contact Zanka
Le premier long métrage marocain d’Ismael El Iraki, délicieusement criard, est le film MENA le plus divertissant de l’année.
L’histoire se concentre sur une romance punk orageuse entre une rock star marocaine sur le déclin (Ahmed Hammoud) et une prostituée (Khansa Batma) avec une voix chantante étonnante sur laquelle il tombe par hasard après son retour dans sa ville natale de Casablanca.
Empruntant à la fois à Head On, tout aussi punk, de Fatih Akin et aux premiers longs métrages d’action mexicains de Robert Rodriguez (El Mariachi, Desperado), El Iraki tourne sur du 35 mm, le format idéal pour sa gamme vertigineuse de larges panoramas, de couleurs torrides et d’atmosphère psychédélique.
Pour ce faire, il embrasse tous les clichés de la rock star déchue, en utilisant le cadre rugueux d’un Casablanca qui passe d’une métropole non développée à un décor occidental.
Zanka Contact est un mélodrame volontairement maximaliste qui se précipite fiévreusement avec une énergie contagieuse à revendre, conjugué à des numéros magnétiques de ses deux acteurs principaux. Rafraîchissant, c’est aussi l’un des rares films réussis de la région, qui évite les thèmes politiques habituellement obligatoires pour la sélection des festivals.
C’est du rock ’n' roll avec un grand R : un amalgame au grand cœur de différents genres et sensibilités différentes qui ne scarifie jamais l’honnêteté émotionnelle qui fait son essence pour des fioritures cinématographiques cool.
2. There Is No Evil
L’accueil tonitruant qu’a rencontré le lauréat de l’Ours d’or à Berlin de Mohammad Rasoulof a été contrebalancé non seulement par la pandémie mondiale qui a fait dérailler sa sortie dans le monde entier, mais aussi par la punition infligée au réalisateur par un tribunal iranien seulement quatre jours plus tard : prison pour un an et interdiction de réalisation pendant trois ans.
Le huitième long métrage de Rasoulof est l’apogée d’une œuvre férocement critique qui est passée de l’allégorique (Iron Island, The White Meadows) à un mise en accusation ouverte de la République islamique (Goodbye, Manuscripts Don't Burn, A Man of Integrity).
Une anthologie en quatre parties sur la peine capitale – l’Iran est le deuxième plus grand bourreau au monde derrière la Chine – qui traverse différents genres, There Is No Evil est son film le plus conflictuel et le plus directement politique à ce jour, un traité sur la banalité du mal et sur les diverses et imprévisibles façons dont la culpabilité se manifeste.
Bien que ferme sur sa position contre la peine de mort, le film est imprégné d’une ambiguïté éthique primordiale. Lorsque les citoyens d’une nation moralisatrice sont forcés de se conformer à une mauvaise loi, les choix que l’on est forcé de faire ne sont jamais vraiment manichéens. Pour beaucoup, la simple perspective d’un choix peut être considérée comme un luxe inaccessible ; pour beaucoup, les conséquences d’une action morale peuvent être aussi dommageables que de suivre la loi.
Par exemple, on s’attend à ce que les jeunes hommes qui font leur service militaire obligatoire en exécutent d’autres, civils, dans le cadre de leurs fonctions. Échapper à l’armée ou refuser de suivre les ordres sont les seuls moyens d’éviter la participation, ce qui à son tour aura des conséquences pour les soldats et leurs familles et ne parviendra pas à arrêter le cycle de la violence.
Rasoulof n’épargne aucun individu, mais il comprend aussi à quel point il est difficile de discerner ce qui est éthique de ce qui ne l’est pas quand un tel mal inhérent est normalisé dans le tissu de la vie quotidienne.
1. Ghosts
Beaucoup de choses ont été écrites sur l’indigence de la scène culturelle turque à la suite du coup d’État manqué de juillet 2016, y compris les listes noires, la censure croissante et l’assèchement des fonds.
La peur, l’intimidation et le manque de ressources ont poussé le secteur indépendant du pays – hormis quelques exceptions – à ne pas commenter la réalité contemporaine. Dans la foulée, le cinéma turc est devenu plus insulaire et moins pertinent avec les années.
Ainsi, lorsque Ghosts (Hayaletler), premier long métrage de la réalisatrice turque Azra Deniz Okyay, a eu sa première à Venise et a remporté la Semaine de la critique en septembre, c’était une énorme surprise.
Au cours d’une seule journée au milieu d’une coupure de courant à l’échelle nationale, Okyay tisse une tapisserie riche et complexe de l’Istanbul moderne, ancrée sur le point de vue de quatre personnages : une danseuse en herbe, une militante féministe, un entrepreneur louche et la mère d’un jeune détenu.
Istanbul est omniprésente dans le cinéma turc, mais rarement la plus grande ville de Turquie n’a-t-elle été dépeinte de manière aussi vivante, si réfléchie et si précise.
Utilisant un récit faisant constamment des allers-retours dans le temps, Okyay dépeint la métropole comme vous ne l’aviez jamais vue auparavant : l’Istanbul des arnaqueurs et des réfugiés syriens, des trafiquants de drogue et des artistes, des gays et des militants. C’est l’Istanbul qui déstabilise avec son paysage urbain et son histoire architecturale au bord de l’extinction : une ville gentrifiée et décadente qui sert de bébé monstre de la « Nouvelle Turquie » d’Erdoğan.
Azra Deniz Okyay ne tente jamais de dissimuler sa politique libérale : Ghosts ne cache pas ses penchants laïc, pro-gay et pro-immigrés, en opposition sévère aux politiques néolibérales du gouvernement turc. Pourtant, son plus grand coup est l’humanité fugace et la gentillesse qu’elle parvient à mettre au jour au milieu des terrains et des situations les plus inhospitaliers.
Hérissé de colère, de défi et de vigueur juvénile, le meilleur film du Moyen-Orient de l’année – et l’un des débuts turcs les plus marquants de ce siècle à ce jour – est le coup de feu dans le bras dont le cinéma indépendant du pays avait tant besoin, et qui pourrait ouvrir une nouvelle voie pour ce secteur en difficulté. La révolution commence ici, et il y a un long chemin à parcourir.
Traduit de l’anglais (original) par VECTranslation.
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